Brotes verdes y vodka rojo con limón

Gunter Gallery salta del ciberespacio al Espacio Lenguaje

Hay fines de semana y fines de semana. Hay momentos normales y momentos épicos, para bien o para mal. Este fin de semana ha sido de esos periodos estresantes de 48 horas llenos de todo, de todos y felices. Uno de esos que parecen sacados de un dibujo de Norman Rockwell. Y para mantener el nivel alto, además de leer “¿Qué fue de la modernidad?” de Gabriel Josipovici y de ver Cristina Iglesias: Metonimia, retrospectiva de la artista donostiarra en el Reina Sofía, quise ver con mis propios ojos como nuevos proyectos culturales se cuajan y se hacen realidad en este país que día sí, día también parece un erial de necios enfermos de titulitis que por poco que tengan que decir lo trufan de cuatro palabras que en su mente suenen bien, de forma pelín ampulosa, y acaban acariciándose la tripa con las dos manos como si acabaran de tirar de la cadena… o como se llame... El día que aprendamos a vivir aflojándonos el corsé se nos irá la mitad de la tontería y con esto abarco desde reacciones adversas a opiniones ajenas, hasta las medidas draconianas de gobiernos que no gestionan sino que redecoran a su gusto.

Ciervo. Aitor Saraiba

Éxtasis. Jacinto de Manuel

Gunter Gallery nació como una galería on line de arte gráfico en la que a precios más que asequibles podemos encontrar obra que jóvenes creadores realizan en exclusiva para ellos en tiradas muy limitadas firmadas y numeradas por los artistas. Aitor Saraiba, que hace poco participaba en "Reinventa la mesa" en el Museo Cerralbo, Btoy, el colectivo Boamistura, Santiago Morilla, la polifacética organizadora de fiestas e ilustradora Silvia Prada o el artista urbano Sr X son algunos de los nombres que participan en este proyecto más que interesante. Como aficcionado irredento del grabado y seguidor de alguno de esos nombres que venden su obra en la Gunter Gallery, me he pasado una buena temporada recomendando esta web y sobre todo regalar arte. Yo he regalado en este San Valentín un enorme acrílico de Juan Palomares, el resultado es mucho mejor que una cena romántica o un libro. Al proyecto de la Gunter le faltaba algo, un descorche, un empujón… y ya lo tiene, se refunda en una exposición en el Espacio Lenguaje en el Centro de Literatura Aplicada de Madrid donde se muestra la obra de sus artistas, más la de Littleisdrawing (Carla Fuentes). 

Nick Cave. Littleisdrawing

He leído en algún lado como describían esta exposición como “el underground español”… WTF? Puede que a este grupo de artistas forzando un poco el término lo podamos comprender como una nueva era de producción artística. Y eso contando que han nacido en un amplio arco de años. Pero entre los autores tenemos los nombres más mainstream de la producción artística de aquí y de ahora.

Espacio Lenguaje. Hasta el 15 de marzo de 2013

La sorpresa de la provocación en estados de ánimo herrumbrosos

El brasileño Vitor Mizael expone por primera vez en Europa

Cada temporada en Madrid tenemos una exposición que llama la atención, escandaliza, provoca, estimula o incluso enfada. El año pasado le tocaba a La Fresh Gallery y la exposición fotográfica Obscenity de Bruce laBruce, que llegó a sufrir manifestaciones a su puerta y hasta un ataque fallido con cócteles incendiarios de andar por casa. También levantó escamas la obra Always Franco de Eugenio Merino, que provocó que la Fundación Francisco Franco demandase al autor, a la galería, a ARCO y a IFEMA… y porque no pasaba nadie más por allí que si no también acaba siendo demandado. Intentos vanos y pacatos de enfrentarse a la expresión artística que más me recuerdan a aquello del Quijote de “Todo era predicar en el desierto y majar en hierro frío”, que en verdaderas protestas fundadas… Recordemos aquella leyenda que dice que cuando Caravaggio pinta en Roma La muerte de la Virgen en 1606, los bienpensantes ponen el grito en el cielo por que usa como modelo de la Virgen a una prostituta que se había ahogado en el Tiber. Quién sabe si el camino de la reforma del arte pasa por escandalizar?

Pues bien, el escándalo está servido, Vitor Mizael expone en la galería 6+1 y una especie de horda fundada en un neodogma pagano se rasga las vestiduras, ahora cuento el porqué. La muerte es inspiración y origen del arte desde que el arte se concibe como tal. Hecho innegable. En representaciones de tipo religioso nos muestran las mil y una maneras de morir de todos los mártires y del propio mesías y su familia. Hemos visto muertes mitológicas, alegóricas, animales muertos en miles de bodegones, desde los barrocos flamencos, hasta Luis Melendez en el XVIII o incluso Picasso. Hemos visto hasta un muerto en la mesa de disecciones del doctor Nicolaes Tulp a través de la visión de Rembrandt. Miles de museos de ciencias naturales en todo el mundo exponen animales disecados procedentes de campañas de caza y captura financiadas por gobiernos, reyes y magnates disfrazados de filántropos. Damian Hirts basa sus series de Historia Natural en sumergir en formol a todo bicho viviente, ya sea oveja, ya sea tiburón tigre. Y como última idea se me viene el showman, artista, médico y no sé cuántas cosas más, Gunther von Hagens, que embalsama, disecciona y plastina desde jirafas hasta mujeres embarazadas… Pues bien. Mizael se inspira en la muerte de las mascotas ¿Hasta ahí todo correcto? Presenta una serie de dibujos y pinturas representando la muerte del animal como la desaparición de un ser querido al mismo nivel que un semejante. Una obra cruda y descarnada. Que aun que se separa un poco del estilo de su obra anterior no deja atrás su paleta limitada con la que puede llegar a dar expresividad sin forzar la expresión. Esta muestra, Taxonomasia, se completa con una instalación en JustMad donde podemos ver animales taxidermizados. Galería y autor declaran que los cuerpos proceden de los Centros para el Control de Zoonosis de Brasil. Y la polémica está servida. En el evento creado en Facebook por la Galería 6+1 unos días antes de la inauguración, han empezado a surgir voces beligerantes que ponen el grito en el cielo en defensa de la dignidad de los animales. Por lo leído visualizan al autor saliendo por la noche a las calles a sacrificar perros… Es peligroso quedarse con la mitad de la información. Así, sin ellos quererlo o si, se enfrentan de plano a la reivindicación del autor que expresa en el texto de la muestra la realidad que es, el animal de compañía más como compañía, que como animal.

Invitación de la inauguración

El tratamiento de la muerte siempre es como pinchar donde más duele… Pero quién puede ser el responsable del supuesto delito? El artista que toma un cuerpo ya sin vida en un centro de recogida de animales y lo diseca para una muestra donde quiere subrayar la importancia del ser amado en la sociedad actual? El propietario que abandonó a su suerte al animal que después fue recogido por el centro? El gobernante que no hace un plan de esterilización de animales callejeros? El que se escandaliza de ver una piel rellena de material sintético con canicas haciendo las veces de ojos?

Así galería y artista han conseguido algo complicado en los tiempos modernos, y merecen toda enhorabuena, no solo atrapar la visión del público en directo sino conseguir la interactuación del gran mundo con la obra a través de las redes sociales dándole una nueva dimensión a las exposiciones. Se abre el plano y ya no hablamos del binomio obra+espectador, tenemos que barajar nuevos términos como obra+espectador+opinólogo on line. Las quejas, las protestas e incluso los insultos se convierten, supongo que involuntariamente, en parte de la instalación.

Galería 6+1. Hasta el 30 de marzo de 2013

De profundis. Coqueteo místico y reflexión

Pablo Pro nos sumerge de la mano en la Galería Mondo

“Detrás de la alegría y la risa, puede haber una naturaleza vulgar, dura e insensible. Pero detrás del sufrimiento, hay siempre sufrimiento. Al contrario que el placer, el dolor no lleva máscara”

Oscar Wilde

En una mañana cualquiera, de un día cualquiera me reúno para tomar café y charlar desapasionadamente de aquel libro de Maurice Druon que estabas leyendo hace unas semanas y ojear apasionado el volumen dedicado a Alfonso publicado por La Fábrica. Observamos y comentamos lo bello de aquel Madrid idílico, casi una reinvención de la Jeneusse Dorée, frívola, aparente y despreocupada que se esforzaba en poner buena cara ante el dolor de las heridas de 1898. Impacta la obra de Alfonso durante la guerra civil de 1936, es una fotografía pétrea, dolorosa e impactante, mucho más allá del apasionamiento político de Cappa, se siente el dolor del vecino, del paisano, del igual al ver el desastre. Maravillosa saga la de Alfonso, maravillosa edición la de La Fábrica.

La lucha social en la calle esta mañana se había transformado para mí en aprovechar la tibieza de la temperatura y pelearme con el viento… que por obra y gracia de Murphy siempre va a soplar en sentido opuesto al que me coloque el flequillo. En esas me encontraba cuando entre a visitar Oxygeme, la última oda fotográfica al origen de la vida de Pablo Pro en la Galería Mondo. Y quizá es que últimamente tengo la mente en varios sitios a la vez, o quizá porque en mis auriculares sonaba el Credo de la Misa del Papa Marcelo de Palestrina, uno que siempre ha sido un poco especial para la música, pero las imágenes de esos cuerpos compactos, desnudos, ingrávidos, arrastrados y arrasados por el agua, me trajeron a la mente cúpulas basilicales cubiertas de frescos de ángeles adoradores. 

Pablo Pro, que el año pasado comentaba que se estaba apartando de la fotografía social y documental, añade a su vastísima y heterodoxa producción una serie de fotografías de gran formato que nos llenan los ojos de sueños. Cuerpos sumergidos en agua que luchan con ella aplicando a la imagen un discurso de movimiento y fuerza. Por eso, de profundis, de las profundidades, como la encíclica que Wild desde la cárcel le escribe a su amante Alfred Douglas, en la que se incluye la primera frase de esta entrada. Sumergir la imagen humana en el agua, ese medio que no está dominado por él y que es el que más espacio ocupa en este planeta llamado tierra. 

El agua como origen, el agua como destino.

Galería Mondo. Hasta el 12 de marzo de 2013

Paronomasia. Convergencia de discurso

Nicolás Combarro y José Manuel Ballester exponen en Madrid

Despues de vivir mi particularísima septimāna horribilis y después de una mañana disfrazada de pista americana con sus tropezones, caídas, encuentros y “llamame que he perdido tu teléfono”, tan socorrido y tan falso, de rigor, me he reconciliado con la fotografía después del viaje al lado oscuro de la Casa de Galicia… Paciencia. Han obrado el milagro dos artistas de diferente pelaje pero que en sus muestras actuales reclaman la atención de la vista sobre la intervención del hombre en los espacios.

Nicolás Combarro

Nicolás Combarro

El gallego Nicolás Combarro es el fotógrafo con el que el Institut Française inaugura un nuevo espacio expositivo de fotografía en Madrid, La Galerie du 10. Presenta Intervenciones.Diálogos con la arquitectura, una serie fotográfica inhabitada al hilo de su serie Arquitectura Oculta que mostró en la Galería Moriarty. Combarro investiga sobre la construcción, observando como la intervención del hombre distorsiona y hace mutar el espacio convirtiéndolo a través del objetivo de su cámara en composiciones de amplio discurso artístico. De ese tipo de imágenes que pueden darnos diferentes claves y significado según el ojo que lo observe o según nuestro estado de ánimo.

Nocturno en el Rijksmuseum 1. José Manuel Ballester

Central solar 2. José Manuel Ballester

Por otro lado el artista madrileño José Manuel Ballester también investiga con sus Bosques de luz, la interactuación del ser humano con el espacio, transformándolo y modificándolo, pero que con su absoluta ausencia de las imágenes nos descubre visiones ocultas de diferentes espacios más o menos comunes.  El Premio Nacional de Fotografía de 2010 expone en la Tabacalera su visión concreta de estos espacios durante los últimos 10 años. Así podemos ver desde espacios con sabor a imagen clásica o a intervención en espacio industrial abriendo un gran abanico estético y visual.

He encontrado motivos para reconciliarme con la fotografía en Madrid.

Bosques de luz. Tabacalera. Hasta el 28 de abril de 2013

Intervenciones. La Galerie du 10. Hasta el 27 de marzo de 2013

Caminos paralelos. La idea y matar criaturas montando el caballo de espadas

Gordillo selecciona su obra gráfica en la Calcografía Nacional

Visitar la Calcografía Nacional en la Real Academia de BBAA de San Fernando es como una yincana, un reto, una prueba de tiempo y modo. Tiene como me dijeron hace unos días “horarios para jubilados”. Cierra pronto por la semana y los viernes todavía más, y nada de hablar de abrir los fines de semana, ¿Para qué? Por eso cuando a uno le interesa mucho una exposición allí tiene que o darse por vencido o jugar al “cadáver exquisito” con las fechas, obligaciones y notas de tu agenda y conformar un hueco súbito y escaparte a ver, en este momento, la obra gráfica de Luis Gordillo.

A Luis Gordillo la Calcografía Nacional le ha otorgado el Premio Nacional de Artes Gráficas 2012, por esto muestran un repaso por toda su producción gráfica, vastísima he de decir. Siempre he sido un amante de los grabados y técnicas afines, en mi colección hay algunas piezas de Picasso, Miró o Roberto Matta, me parece una forma simple y paralela de la propia obra del artista. Y esto se puede ver en la exposición de Gordillo, su producción gráfica camina estrechamente ligada al estilo de sus otras creaciones. Podemos ver la evolución artística, conceptual de Gordillo a medida de que evoluciona su técnica, aprovechándose de la modernización de la factura del grabado. Recuerda el autor en el video grabado para la exposición que para sus primeros grabados cada color tenía que ir en planchas diferentes, eso ha ido cambiando y él lo ha ido asumiendo, asimilando e incorporando.

En la muestra observamos piezas de sus series más significativas, Archipielago, Manet S.A. o la Suite Manesi por ejemplo. Queda palpable la afición de Gordillo por la serie y la repetición de la forma, que una imagen esta en continuo cambio y nunca alcanza su forma definitiva, por eso vemos como a través de series se repiten figuras, motivos y recuerdos. Imaginaba hace unos días cuando leía que Oehler había seleccionado sus obras para la expo de La Casa Encendida, que eso para un autor debe ser como discriminar el cariño hacia todos sus hijos. Me imagino el proceso de selección mucho más difícil que el proceso creativo, contar con el espacio físico y limitado y estresarse teniendo que sacrificar tal o cual obra, eliminar una serie completa porque mostrando solo una parte no se podría entender… o dándole prioridad a una época o a otra… Pero también me parece interesante que se fuerce al autor a esa selección de sí mismo y ver qué obra es para él su mejor obra, como un ejercicio de estilo, como un coqueteo con el narcisismo que tendrá su derroche de dopamina en la inauguración con la observación de la cara de los asistentes.

Corto y cierro recordando a la autoridad competente que el gran público tiene la manía de tener horarios muy complejos y obligaciones y esas cosas, muchas veces incompatibles con la apertura de la Calcografía Nacional.

Calcografía Nacional. Prorrogada hasta el 10 de marzo de 2013

Tengo una prima a la que le gusta hacer fotos. Dinero público y falta de miras

La fotografía rural de Luisa Rubines en la Casa de Galicia

La segunda pregunta que me hacen al hablar del tema es ¿En la Casa de Galicia se hacen exposiciones? La primera siempre es ¿Hay una Casa de Galicia en Madrid? Sí, y mantenida económicamente por la Xunta de Galicia, pero de eso ya hablaré.

La Casa de Galicia en Madrid cuenta con unas instalaciones más que dignas en pleno centro de Madrid. Tres salas de exposiciones y un salón de actos cuyo único cometido, su página web lo dice, es la difusión de la cultura gallega… Pues bien, es llegado a este punto donde empiezo a pensar en lo pobre y equivocado que está el proyecto de gestión cultural del centro, eso siendo bien pensado. Siendo sincero dudo que exista ningún proyecto de gestión cultural para tan magno cometido al que viene siendo llamada. Y digo esto después de haber visto las exposiciones que han programado durante el último año. Tienen la sincera y contumaz vocación de ser como la casa de cultura de algún pequeño pueblo donde expone la prima de algún funcionario o esa vecina que una vez se fue y al retornar vino con aires de modernidad y alguna idea frágil de cómo hacer algo. Echo de menos en este sólido entramado de mediocridad la habitual explosión de tapetes de ganchillo y labores del hogar varias con las que se suelen complementar las exposiciones de oleos naif y neoimpresionistas realizadas en el taller de pintura de la asociación de vecinos del barrio. Amiguismo, interés y falta de miras que nos muestran autores de amplio recorrido pero de éxito limitado, y no seré yo el que diga que por falta de talento, que supongo que no, sino por no encontrar correcta salida a sus aspiraciones artísticas. Yo sé que valéis queridos autores, pero como decía Picasso “la inspiración se encuentra trabajando”, no por oler a aceite de linaza y tener las uñas sucias de oleo eres pintor… así como no eres fotógrafo por fotografiar cafés, ceniceros llenos de colillas o ramas de árboles, por mucho que te lances animosamente a un movimiento de postmodernidad nihilista.

Luisa Rubines (Casa de Galicia)

Luisa Rubines (Casa de Galicia)

Y ramas de árboles, también troncos, raíces y tocones, se desnudan sin alma, que es el más triste de los desnudos, en “Los árboles del buen camino” la última serie fotográfica de Luisa Rubines, una empresaria de formación fotográfica en Londres, que se ha quedado encallada en el bucle sin fin del Camino de Santiago y afines. Buenos encuadres con calidad técnica, pero con luz poco estudiada, frialdad, sin poesía, como si la sola imagen de la corteza nos fuera a hacer enloquecer. Arte de tienda de muebles, para decorar un bonito comedor con un toque rústico. La nota de prensa de la Casa de Galicia es esclarecedora. Un par de exposiciones colectivas en Londres y una exposición sobre el citado Camino en el Museo de las Peregrinaciones de Santiago. A esto se le añade que nombran un par de veces la empresa de promoción turística de la autora. Bingo. En Galicia todavía hace falta tener padrino para ser bautizado.

Luisa Rubines (Casa de Galicia)

¿Esta es la realidad artística gallega? Como gallego que ha trabajado en la gestión cultural en Galicia durante más de 10 años puedo decir que no. La cantidad de creadores que tiene Galicia hoy en día es enorme y, por lo que demuestran, inabarcable para la Casa de Galicia. Mientras, los gallegos, seguiremos sufragando los gastos de un palacete en el centro de Madrid.

Casa de Galicia. Hasta 1 de Marzo de 2013

Ponerle puertas al campo. Y la parte de un todo, formó un todo por si misma

Se le rompió el tiempo a Montserrat Soto

Soy libre pero nadie me da la bienvenida

Eso reza un grafiti en una de las imagenes de Montserrat Soto

El nivel de permeabilidad hacia una obra cuando visitamos una muestra siempre pasa por el filtro de nuestro estado de ánimo. Ayer después de desligarme de mis obligaciones no me encontraba yo, por circunstancias, rodeado de una corte de querubines tañendo amorosamente sus arpas. Por eso, poroso y receptivo después de estar un rato leyendo a los pies del rey Altaulfo en la Plaza de Oriente decidí visitar la exposición Tiempo Roto de Montserrat Soto en la galería de Juana de Aizpuru. No me sentía valiente para la aventura y visitar a Juana siempre me ha parecido una apuesta sobre seguro, que son las únicas apuestas que ya hago en esta vida, solo me arriesgo cuando sé que voy a ganar. Me dirigí a paso lento y desgarbado, como si fuera Fantine cantando aquello de I dreamed a dream… y no sé donde acababa mi sensación de decepción real y donde empezada mi apostura exagerada de personaje perdedor y derrumbado…

Invasión Sucesión. Montserrat Soto (Juana de Aizpuru)

Me llamaba la curiosidad esta exposición, la nota de prensa advierte que es una selección de obra de la serie DOOM CITY Invasión Sucesión, en la que desde 2005 la artista explora las relaciones de los espacios con la superpoblación y la despoblación. Y claro, yo que soy mal pensado desde siempre, pienso en un remedo de collage que fuera del contexto de la serie completa va a quedar como un emplaste, incomunicado y ligero de contenido más allá de la estética de la imagen. Pero, como cada vez que me equivoco, envaino mis palabras y pido disculpas. Tiempo Roto es una sucesión de imágenes ásperas que hablan más allá de su contexto, muchas con texto o grafitis y otras con su simple atmosfera. Se muestran desnudas detrás de la superposición de unas barras antipánico y el reflejo especular del cartel “Non an emergency exit”. El montaje de la exposición se articula mediante una línea negra al pie de las paredes que se despliega, dando sensación tridimensional a las aberturas de las imágenes… Así, aunque parezca que estamos dentro y se abren puertas hacia el exterior, viendo las imágenes nos damos cuenta de que no. Nosotros estamos fuera. Las puertas advierten a los habitantes de las imágenes ya deshabitadas que esa salida no sirve para emergencias. Not an emergency exit.

Invasión Sucesión. Montserrat Soto (Juana de Aizpuru)

Tiempo Roto se constituye como una colección uniforme. Un discurso cerrado que aun que forme parte de una serie mayor no siente el dolor de la separación. Quizá mi estado esponjoso interfiriese en mi asimilación de la obra, si es así: Me alegro. Hubo un momento de mi visita en la que estaba solo en la galería y solo escuchaba mis pasos, el clá-clá de las teclas de mi móvil mientras tomaba notas y la egregia voz de Juana de Aizpuru dictando una carta a su ayudante en su despacho, la luz entraba por las ventanas abiertas a la calle Barquillo. Y yo me sentí feliz, creyendo por un momento que era uno de los habitantes de los paisajes de Montserrat Soto que por un momento en el que nadie miraba me colé por una de esas puertas para verlo todo desde fuera.

Galería Juana de Aizpuru. Hasta el 7 de marzo de 2013

Conjuras inesperadas. Coincidencias, tendencias y lugares comunes

Los conceptos modernos del color de Oehlen en La Casa Encendida

A veces en el campo del arte se crean coincidencias maravillosas, parece que Alemania está de moda en Madrid. Esta semana se cierra Bancocracia en 6+1 una exposición dual donde Julio Falagán y Wolf Geyr muestran su versión de la relación poder-dinero, dos artistas diferentes en momentos y lugares diferentes que llegan a conclusiones muy similares. El Museo del Romanticismo expone 20 dibujos y acuarelas del Museo Kunspalast de Düsseldorf que muestran la importancia del paisaje en el romanticismo alemán. La Fresh Gallery estrena el día 14 tres series de dibujos de Alberto de las Heras bajo el título Germania. La Casa Encendida abre su agenda anual con un plato fuerte. Albert Oehlen ha escogido seis pinturas de gran formato y 50 dibujos bajo el título Moderne Farbkonzepte.

Albert Oehlen

Albert Oehlen

Si el siglo XX se ha caracterizado por algo, dejadme ser frívolo, es por poder ver expuesta la obra de grandes genios reconocidos estando ellos vivos. Oehlen es uno de ellos. Despunta en el mundo del arte a principios de los 80 de forma rupturista junto a otros autores de su generación, se enmarca en el Neue Wilde, aunque poco a poco se ha ido dejando convencer por la abstracción, pintando sobre fotografía e incluso diseñando obra por ordenador. Siempre su obra se caracteriza por la mágica formulación de los colores, de ahí el titulo de la muestra, en español “Conceptos modernos del color”. Este tratamiento del color le viene heredado de su maestro, otro grande de la creación del siglo XX, Polke.

Albert Oehlen

En el montaje, que no se muestra cronológicamente, se crea una línea visual que pasa del manejo del color, como ya decíamos, al trabajo del collage, la abstracción y la figuración estableciendo un diálogo entre estilos. Se ve en el proceso creativo la sombra especular del juego de la conexión de imágenes, se combinan elementos de una idea agregando conceptos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los diseños creados por ordenador aportan otra dimensión más a las obras entramándose el trazo del artista y la huella de la máquina creando así un tejido de respuesta visual. Una de esas contadas oportunidades de disfrutar a un reformador.

La Casa Encendida. Hasta el 5 de mayo de 2013

Et in Arcadia ego. De cuando la mente crea paraísos artificiosos, sin necesidad de psicotrópicos, pero con menos gracia

Barceló en Elvira González

Hacía días que me hacía el remolón por que ciertamente no me interesa, creo que el Barceló insigne y novedoso, con discurso, se quedó en la capilla de San Pedro de la Seo de Mallorca… y si me pongo a meditar seriamente creo que incluso antes. Pero no era plan de acercarse a la Galería Elvira González con aire escéptico y cínico, a cualquier exposición tienes que presentarte con los sentidos abiertos, así que durante el desayuno me leí todos los artículos que se publicaron sobre la muestra, me estudié la nota de prensa y me dejé arrastrar por el frío madrileño llevado más por un ánimo impuesto que por una realidad. No tengo nada en contra de Barceló, ni en contra de nadie, para las animadversiones soy entre de vago y pusilánime, me agota estar en contra de cualquier cosa. Barceló me parece uno de los creadores europeos más importantes de los 80’s y 90’s, tenía de valioso lo fresco y renovador de su estilo informal y puro… estilo personalísimo que ha ido doblando sobre sí, perdiendo frescura y pureza, convirtiendo cada producción en una copia de sí mismo, así como se afirmaba en los 70 y recuerda Miguel Cereceda en su artículo para ABC, que copiaba descaradamente a los grandes artistas plásticos alemanes de la época, ahora Barceló copia a Barceló pero con un regusto a pereza, a falta de ganas por la creación de conceptos nuevos, se preocupa más de la innovación técnica y el dominio de ésta, que del discurso de su obra. Y esto es estupendo para un profesor de Bellas Artes, pero no para un artista.

Aun así me dirijo animoso a ver la exposición Tokonomas porque hay algunos factores que me llaman la atención. Barceló no exponía en Madrid desde hacía 10 años, para empezar. Y la muestra lleva el sello de Elvira González, y siento especial devoción por ella ya no solo por ser una de las grandes galeristas de España, sino por mi tontería pueril, ella era la directora de la Galería Theo en 1971 y fue testigo cuando ocho retrasados destrozaron 24 litografías de la Suite Vollard de Picasso, si es que en el fondo soy un romántico…

Roser (Detalle), 2012 (Galería Elvira González)

Tonyina (Detalle), 2012 (Galería Elvira González)

Barceló no me defraudó. Cumple con su nueva muestra todo lo que yo pensaba antes de salir de casa con la careta optimista puesta. Salvo algún punto de vista de alguna obra, algún comentario sobre el tratamiento del color, o sobre la suavidad de alguna forma, de ese tipo de comentarios que siempre quedan muy pedantes, no hay un todo que me guste. Llego a tener la impresión repentina, rodeado de la obra de Barceló, de que se ha abierto un agujero de gusano entre el Musée du Quay du Branly parisino y el Museo de Cerámica de Chinchilla de Montearagón. Un paseo poco galante entre la cerámica tradicional y la alfarería africanista. Intento recordar la entrevista que ha grabado el artista para la galería y cómo justifica la utilización de la cerámica como un utensilio de pintura más y caigo en la verdad absoluta de que el Barceló ceramista alcanzó su cumbre a mediados de los años 90, mis años favoritos 95 y 96. Se nos ha roto la magia, ya no me cuentan nada sus obras, ya crea para museos de arte contemporáneo o para coleccionistas neófitos, esos de abultada cartera y poca idea que se van a dejar llevar por la firma más que por el contenido.

Estrigassons, 2012 (Galería Elvira González)

Mientras la prensa celebra que Barceló vuelve a Madrid matando su mejor cordero y cerrando los ojos. Y me acuerdo de esa leyenda que dice que Madame de Staël en uno de aquellos salones sociales de la maravillosa y ficticia corte de Luis Capeto dijo aquello de “Et in Arcadia ego”, meses después el rey Luis temblaba de frío al perder la cabeza, literalmente, en lo que hoy es la Plaza de la Concordia, a escasa media hora andando del Musée du Quay du Branly.

Galería Elvira González. Hasta el 27 de marzo de 2013

Yo que sentí el horror de los espejos / no sólo ante el cristal impenetrable

Hedonismo en los Narcisos de Diego de los Reyes

Hola

Hola

Que tal?

Bien. Que buscas?

Nada

Pasaba el rato

Ok. Como eres?

Moreno, 185, 80 kilos

y tú?

Bueno…  más o menos parecido

Tienes fotos?

Charla habitual por algún chat o aplicación móvil con el único fin de encontrar un momento, con esperanza de efímero más que de perpetuo. La transformación de la sociedad ha llevado a la transformación de las vías de contacto y esto a la simplificación práctica de las expectativas. Con esta conversación se abre el vídeo de presentación de Narcisos, serie del pintor sevillano Diego de los Reyes que se expone en El Foro de Pozuelo, donde se explora ese neogénero desconocido en el mundo del arte, muy estudiado en otros campos, del “tío con móvil”. La autofoto en el espejo con el dispositivo en la mano de ahí la referencia a Narciso y de ahí titular la entrada con unos versos de Borges, el espejo como respuesta a nosotros mismos, y Diego de los Reyes espiando a trazo de pincel el ámbito íntimo del modelo que se muestra casi desnudo y desprotegido ante el objetivo de la cámara, sin pensar nada más allá que en la finalidad práctica de esa fotografía.

Narcisos. Diego de los Reyes 

Narcisos. Diego de los Reyes

Lo revolucionario de la exposición no es el desnudo masculino, que todavía no ha dejado de abofetear en la cara de los puristas que no se han dado cuenta aun de que la carga homoerótica de los desnudos masculinos alcanzó su súmmum con el realismo francés del XIX, es el mostrar una realidad soterrada y viva, la existencia de una cantidad ingente y creciente de fotografías de “tíos con móviles”, de la percepción correcta del yo, no es que un modelo pose para otro, es que posa para sí mismo y selecciona la que más le gusta, hace un proceso intenso de autocrítica y se juzga, no solo a su obra sino también a si mismo. Otro punto de este género de autofotos es la perdida voluntaria y necesaria de la intimidad, mostrar el cuerpo y nuestro espacio y a mayores, ceder nuestra imagen al pintor, para que no solo se quede entre nuestro interlocutor y nosotros, sino abrir el dialogo al público de la muestra.

Narcisos. Diego de los Reyes

La exposición nos muestra una serie de imágenes cárnicas y reales, casi palpables, me recuerdan a los modelos masculinos de Juan Palomares, mucho más generosos que los femeninos, un juego donde el pudor del visitante no surge al observar la desnudez sino al darse cuenta de que está observando al protagonista a través del espejo en su privacidad sin que él nos pueda ver.

Imágenes cedidas por el autor.

El Foro de Pozuelo. Hasta el 25 de Febrero de 2013

Prosopopeya y capricho pop

Las muñecas de Iglesias Más en La Fresh Gallery

Escribo esta entrada consciente de la pronta caducidad de la misma, ya que en unos días termina la exposición de Iglesias Más en la FreshGallery, pero no quería dejar pasar la oportunidad de realizar un coqueteo frívolo y substancial con algo tan mass media como la serie Dolls del fotógrafo madrileño. A riesgo de resultar repelente he de decir que la repercusión mediática de esta exposición lo anunciaba ya la cantidad de rostros populares de la inauguración, algo a lo que los asistentes a las inauguraciones de la Fresh estamos acostumbrados, pero que esa noche competía con el estreno de la última película de Penélope Cruz en la Gran Vía.

Be Stupid Box. Iglesias Más, 2010 (La Fresh Gallery)

Blondie. Iglesias Más, 2005 (La Fresh Gallery)

En el momento en el que la fotografía pasa por el duro trance del autofoco de las cámaras digitales y la democratización (¿Desvirtualización?) de la palabra “fotógrafo” que ha obrado Instagram, momento en el que mi adorado y versátil Daniel Garzee empieza a soltar la cámara y a coquetear con la pintura, Iglesias Más, con su estilo urbano y casi kitsch, nos presenta su serie Dolls alejándose, pero no mucho, de su “Urban Walker” de 2010. Apoyándose en la publicidad, los escaparates, los reclamos, hace un ejercicio de marketing visual, de personificación de lo incorpóreo y abstracto, disfrazando de realidad a simples figuras inanimadas, dándoles al ojo de algún espectador, por decir alguien al azar, yo mismo, una imagen sórdida y patética. Pudo deberse a mi estado de ánimo el día que visité la exposición o al tequila que bañaba la inauguración, pero en las miradas que me devolvían los modelos sin alma de las imágenes me trajo recuerdos del Red Light de Amsterdam o algún plano robado y plastificado de la película “Yo puta” de María Lidón. Con esto quiero decir, que el grueso de la serie Dolls, maniquíes con intención dramática, me aporta con luz intensa y colorista, casi flúor, un morbo alejado de la provocación que mostraba la exposición Obscenity de laBruce, pero que me invita a pensar en la vida de esa mujer que agarra la persiana metálica en ropa interior, a quién mira altiva la chica calva y desnuda desde el balcón o quién calza el zapato de tacón rosa chicle…

Pin Up. Iglesias Más, 2011 (La Fresh Gallery)

La utilización de la imagen en la imagen, algo que dice Felix Sabroso en el texto de la exposición, el artista que retrata a otro artista mientras retrata, pero lo veo más como esa paranoia del siglo XX que ha disfrazado de homenaje (Cuando el término “inspiración” se queda demasiado estrecho) a sublimes copias… como la de Robert Ballagh de los Fusilamientos del 3 de Mayo de Goya… pero arropado por la inmediatez de la fotografía urbana… pasar, ver, convencerse, disparar… sin tiempo a la meditación, ya habrá tiempo para eliminar la imagen.

La Fresh Gallery. Hasta el 8 de Febrero de 2013

El observador de arte en los tiempos que corren. Paciencia, abstracción y sorpresas.

La Colección Patricia Phelps de Cisneros en el Reina Sofía

Si algo nos quedaba claro cuando Borja-Villel  llegaba a la dirección del Reina Sofía, era que nada iba a quedar como estaba. Perdía el rubor adolescente y alambicado de eterno futurible proyecto de museo de arte contemporáneo, al que olía desde que se abrió al público la colección permanente en el 92, Sus Majestades mediante, y se iba poco a poco disfrazando de pieza contundente en el panorama museístico europeo. Lo primero fue aquello de la reordenación de la colección contextualizándola, algo a lo que incluso los profesionales del centro confiesan que miraron de reojo y enseñando sutilmente un colmillo en un principio, pero que ha convertido la visita en algo práctico y articulado. El plan maquiavélico de Borja-Villel pasa además por dar a conocer en España la creación artística contemporánea de otras latitudes, especialmente del resto de Europa y Latinoamérica… este último ese gran desconocido… tan cerca, tan lejos.

Visible idea. Waldemar Cordeiro 1956 (FC/CPPC)

Drawing without paper 85/16. Gego 1985 (FC/CPPC)

"La invención concreta", la exposición que el Reina Sofía en colaboración con la Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros muestra, abarca la creación latinoamericana desde los años 30 a mediados de los 70, época compleja en la historia del continente tanto política como artísticamente. Una visión a creaciones geométricas y planas con regusto a la abstracción de Matisse en los 50, Vasarely o Mondrian, si me dejáis caer un poco en el tópico, que cambian a la vista del espectador y nos pueden parecer inspiradores de la creación plástica ibérica de mediados de los 90. Lo interesante de la muestra es estudiar las obras como proclamas de identidad política, quizá no tan crudas como las obras de la exposición “Perder la forma humana” que también podemos ver en el MNCARS, pero debemos comprender que el mordiente de esta muestra se desarrolla en los años 80, visualicemos pues el arte contemporáneo español 30’s/70’s y hagamos un paralelismo con las obras de la exhibición: Mientras que los españoles se influenciaban por el cubismo, el surrealismo, las texturas y el informalismo, Latinoamérica abraza una abstracción más pura, geométrica, más severa que sirve de inspiración todavía a la mayor parte de la creación actual.

Sem titulo. Mira Schendel, 1967 (FC/CPPC)

Después de una grandiosa “Encuentros con los años 30”, que no pude evitar visitar varias veces, el proyecto de Borja-Villel nos sorprende acercándonos una nueva mirada sobre el siglo XX y además llega con João Fernandes, alma del Museu de Serralves durante los últimos nueve años, como subdirector…  El principio de año nos deja muchas incognitas sobre lo que va a pasar… la inclusión de las 50 obras que la Fundación Cisneros deja en depósito en el museo en el discurso expositivo, la retrospectiva de Cristina Iglesias, canto del cisne de la labor de Lynne Cooke, la revisión de Dalí que llega a finales de abril después de visitar el Centre Pompidou y que nos puede ofrecer Fernandes en su nuevo cargo… Esperemos a ver…

MNCARS. Hasta el 16 de septiembre de 2013